Puntos Clave de la Noticia:

• El evento se realizará el sábado 10 de octubre en el Campus Casa Central Valparaíso de la USM.
• Incluye la experiencia PARTY-CLE, que une partículas subatómicas, charlas científicas y arte visual.
• Habrá estaciones interactivas de física y visitas guiadas al Museo Institucional UTFSM de forma gratuita.

El sábado 10 de octubre de 10:00 a 13:00 horas, el Campus Casa Central Valparaíso de la Universidad Técnica Federico Santa María se transformará en punto de encuentro para explorar la ciencia mediante experiencias interactivas y una charla que acercará al público al mundo de las partículas subatómicas.

Entre el 5 y el 11 de octubre se celebrará el Festival de la Ciencia y Tecnología 2026 en todo el país, con experiencias y encuentros participativos completamente gratuitos dirigidos a toda la comunidad.

En su octava versión, que tiene como lema “Preguntar nos mueve”, el Centro Científico Tecnológico de Valparaíso (CCTVal) de la Universidad Técnica Federico Santa María se suma a la programación con tres actividades que invitan a despertar la curiosidad y comprender el mundo que nos rodea.

Estas actividades se realizarán el sábado 10 de octubre, entre las 10:00 y las 13:00 horas, en el Campus Casa Central de la USM, en Av. España 1680, Valparaíso, y requerirán inscripción previa en el siguiente enlace: Inscripciones

PARTY-CLE: un encuentro entre arte y ciencia

¿Qué son las partículas subatómicas? ¿De qué está hecha la materia? ¿Cómo se forman los hadrones?

Estas preguntas serán el punto de partida de PARTY-CLE, una experiencia que conectará arte y ciencia para explorar cómo los componentes fundamentales de la materia se transforman y organizan hasta dar origen a todo lo que conocemos.

La charla será impartida por el director del CCTVal, Hayk Hakobyan, y contará con la participación de Belén Ungerer, artista visual y Ro Delgadillo, fotógrafo, gestor cultural y cofundador del Colectivo Narval.

PARTY-CLE se realizará entre las 11:00 y las 11:30 horas, en el Salón de Actos del Edificio A, y está recomendada para público mayor de 12 años.

Luego de la presentación, los asistentes podrán conocer el stand de arte y ciencia de PARTY-CLE, donde se exhibirán fanzines y material gráfico relacionados con la muestra y otros desarrollos del CCTVal.

Física en Acción: experimentar para descubrir

La jornada también tendrá un espacio especialmente pensado para observar, experimentar y descubrir la física de manera interactiva.

Entre las 10:00 y las 13:00 horas, la zona de la piscina de la USM albergará estaciones experimentales de Física en Acción, que permitirán explorar distintos fenómenos presentes tanto en la naturaleza como en situaciones cotidianas.

Las experiencias abordarán temáticas como física moderna, electromagnetismo, fuerza y movimiento, presión, ondas y sonido, óptica y termodinámica, con equipamiento especialmente diseñado para enseñar estos contenidos al público.

Museo Institucional UTFSM

Los asistentes también podrán conocer la historia de la Universidad Técnica Federico Santa María y su fundador, mediante objetos, fotografías y elementos patrimoniales que les permitirá adentrarse en la vida sansana.

El recinto abrirá sus puertas entre las 10:00 y las 13 horas en el Casa del Rector (Edificio H) y contará con visitas guiadas.

Con esta propuesta, el CCTVal invita a celebrar el mes de la ciencia y a acercarse al conocimiento a través del juego y el encuentro entre distintos lenguajes.

El Festival de la Ciencia es organizado desde 2019 por el Ministerio de Ciencia, Tecnología, Conocimiento e Innovación en colaboración con universidades, centros de investigación, establecimientos educacionales e instituciones públicas y privadas de Chile. Revisa la programación completa por región aquí: https://culturacientifica.cl/

El proyecto Arte en el Cerro comenzó con el proceso de inscripción para participar en el Taller de creación de máscaras para personas mayores, el cual es gratuito y se realizará en la sede vecinal de la Junta de Vecinos 24 Basilio Rojas, ubicada en Basilio Rojas 242, en el Cerro Yungay de Valparaíso. Esta instancia educativa se realizará todos los viernes a las 15:00 horas entre el 7 de agosto y el 23 de octubre.

El único requisito para participar de este taller de máscaras es tener más de 60 años de edad. Las inscripciones se pueden realizar directamente al +56 9 9499 6854 o en las redes sociales de Arte en el Cerro, que cuenta con Instagram, Facebook y Tik Tok. Este taller tiene 15 cupos disponibles y en caso de sobrepasar el límite se seleccionará a las y los participantes según un filtro territorial.

El proyecto Arte en el Cerro está financiado a través de un Fondart regional del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y busca ser un espacio de educación en torno a diversas técnicas artísticas. Esta iniciativa cultural contempla un ciclo de tres talleres, que incluye un Taller de Escultura para infancias, un Taller de Confección Textil y un Taller de Máscaras para personas mayores.

El coordinador de Arte en el Cerro, Eric Estrada Vega, relevó que estos talleres estimulan la participación de distintos grupos etarios en territorios donde habitualmente no se generan este tipo de actividades y manifestó que “la importancia de desarrollar estos talleres es que son acciones culturales que buscan generar en los públicos conocimientos, aprendizajes y descubrir sus capacidades creativas, ya sea en infancia, con adultos y adultos mayores, expresándose a través de distintos lenguajes artísticos”.

El proyecto Arte en el Cerro comenzó a principios de mayo con el Taller de Escultura para infancias y en agosto iniciarán los otros dos, específicamente el Taller de Confección Textil parte el sábado 1 de agosto y el Taller de Máscaras para personas mayores se pondrá en marcha desde el viernes 7 de agosto en adelante, que tendrán como monitores a Cecilia Caffarena y Eric Estrada respectivamente.

Cada una de estas iniciativas educativas tendrá una duración de 12 sesiones, por tanto, terminarán a fines de octubre. Para finalizar este proyecto se realizará una muestra de todos los talleres en la Junta de Vecinos 24 Basilio Rojas, que incluirá cada una de las obras creadas por las y los estudiantes. Se proyecta que Arte en el Cerro realice más versiones y se pueda desarrollar en otros puntos de la comuna de Valparaíso.

Proyecto financiado por el Fondo de Fomento del Arte en la Educación / Programas de Educación y/o Mediación Artística para niños, niñas y jóvenes, implementadas por instituciones u organizaciones Culturales, Convocatoria 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Construir instrumentos con materiales reciclados, descubrir nuevos sonidos y compartir escenario con músicos profesionales. Esa fue la experiencia que vivieron estudiantes de la Escuela San Pedro de Quintay y de la Escuela Eleuterio Ramírez de Valparaíso durante las primeras jornadas del proyecto “Jornadas Musicales con Los Cantos de Colores”, iniciativa que durante julio recorrerá siete establecimientos educacionales de la Región de Valparaíso.

Con el apoyo de la ONG Galerna, el proyecto busca acercar la música en vivo a niños y niñas a través de experiencias de mediación artística que fomentan la creatividad, la colaboración y el aprendizaje. Tras las actividades realizadas los días 9 y 10 de julio, la gira continuará durante las próximas semanas en nuevas comunas de la región.

Cada jornada comienza con la construcción de instrumentos utilizando materiales reciclados. Luego, los estudiantes exploran sonidos, ritmos y distintas posibilidades musicales mediante juegos, dinámicas grupales y una “caja mágica” con diversos instrumentos. La experiencia finaliza con un concierto interactivo en el que los propios niños y niñas interpretan canciones junto al grupo, convirtiéndose en protagonistas de la actividad.

“Queremos llevar música, conocimiento y herramientas a lugares donde muchos niños y niñas no tienen la posibilidad de asistir a conciertos en vivo. No queremos que solo se sienten a escuchar; queremos que canten, bailen, experimenten y descubran que ellos también pueden hacer música”, señala Maite Solana, quien lidera Los Cantos de Colores junto a Felipe Sánchez, músicos con más de veinte años de trayectoria.

Más allá del aprendizaje musical, la propuesta incorpora contenidos relacionados con el cuidado del medio ambiente y la biodiversidad chilena. A través de canciones originales como Capibara, inspirada en especies nativas como el coipo y el chungungo, la agrupación acerca el patrimonio natural a niños y niñas mediante la música. Durante julio, además, estrenará Tucuquere, un nuevo sencillo inspirado en el búho chileno del mismo nombre.

Durante las próximas semanas, Los Cantos de Colores continuarán su recorrido por la Región de Valparaíso. Las jornadas se realizarán el 15 de julio en la Escuela Atenas de Olmué; el 22 de julio en la Escuela Julio Allende de Peñuelas; el 23 de julio en la Escuela Paula Vivanco de Limache; el 24 de julio en la Escuela Diego Portales de Villa Alemana; y el 30 de julio en la Escuela Arturo Echazarreta de Casablanca.

Con cinco jornadas aún por desarrollarse, Los Cantos de Colores continuarán recorriendo la Región de Valparaíso para acercar la música en vivo a comunidades escolares, promoviendo que niños y niñas descubran el arte desde la creatividad, la participación y el trabajo colaborativo.

]]> 29566 https://www.valparaisonoticias.cl/2026/05/08/finaliza-bienal-valparaso-azul-con-amplio-legado-de-arte-y-cultura-ocenica/29098 Fri, 08 May 2026 18:15:56 +0000 https://www.valparaisonoticias.cl/?p=29098 [...]]]> Autoridades, artistas y comunidad se reunieron este viernes 8 de mayo en colegios y en Cerro Alegre, para la inauguración oficial de los últimos murales de la I Bienal de arte público y medioambiental, que desde octubre revivió la identidad oceánica en Valparaíso, Viña del Mar, Quilpué y Villa Alemana.

En octubre de 2025, la Región de Valparaíso se alistó para ser sede de la I Bienal de arte público y medioambiental “Valparaíso Azul”, una iniciativa de Plastic Oceans, que financiada por el Fondo Nacional de Desarrollo Regional (FNDR) del Gobierno Regional de Valparaíso y la aprobación del Consejo Regional de Valparaíso, buscaba recuperar en la ciudadanía su identidad física, cultural y emotiva, vinculada al mar. Pues bien, no hay plazo que no se cumpla, y este mes llega a su fin.

El balance ha sido todo un éxito según sus organizadores, congregando la participación no solo de muralistas chilenos e internacionales, sino también de una comunidad civil y educacional, deseosa de empaparse de su océano. “Nuestra idea inicial fue que tal como están promoviendo Valparaíso como una ciudad con identidad azul para la postulación al secretariado del tratado BBNJ, debe haber un esfuerzo para reforzar esa identidad en las comunidades de la región. Con la bienal queríamos aportar a ser ese catalizador y un kilómetro cero para dar más visibilidad a iniciativas que refuerzan la identidad azul y relación con el océano de la región, a través del arte”, sostiene Mark Minneboo, líder del proyecto I Bienal Valparaíso Azul.

En los últimos 7 meses, cada rincón regional se impregnó de esta iniciativa en una invitación constante a residentes y visitantes de la ciudad a conectar con la riqueza y la diversidad oceánica. La Bienal dispuso murales y conversatorios en puntos neurálgicos como son el Mercado Puerto y el Palacio Quinta Vergara en Viña del Mar, además de actividades en Quilpué y Villa Alemana. Ahora con un testigo tangible en la ciudad, es el turno de la ciudadanía, de cuidar y alimentar este tesoro. “Una identidad no se recupera tan solo con un evento, existe la necesidad urgente de fomentar una cultura de donaciones en Chile que involucre al sector privado que comparte esa visión identitaria de la región y que quiere apoyar iniciativas de la sociedad civil y las decenas organizaciones que trabajamos en esto, reduciendo la dependencia exclusiva de fondos estatales. La Bienal se convierte en el “kilómetro cero” para un trabajo continuo de reactivación cultural y ambiental, con la mirada puesta en mejorar la documentación de las obras y expandir la red de colaboración regional”, agregó Minneboo.

Claudio Sepúlveda, Director Ejecutivo (S) del SLEP (Servicio Local de Educación Pública), señaló: “Para nuestro servicio es una experiencia muy grata porque permite que los actores clave de la educación, podamos tomar como ejemplo esta bienal y ampliar su legado para que repercuta en cada uno de los establecimientos del servicio local”.

En la última milla de esta Bienal, el 8 de mayo se realizó la inauguración oficial en las dos escuelas con la presencia de la alcaldesa Camila Nieto y autoridades del SLEP y gobierno regional, sellando el compromiso con las familias y el centro de padres y madres. Asimismo, en Villa Toscana, artistas se reunieron en este sitio patrimonial de UNESCO en Cerro Alegre para inaugurar un mural de 50 metros de largo, creado por los artistas de la región: Seco Sánchez y Daniel Marceli. Próximamente, se inaugurará un último mural en estación Quilpué con el apoyo de EFE.

En espacios educacionales, la Bienal consolidó una alianza profunda con las comunidades escolares de Barón (Juan de Saavedra) y Rodelillo (Joaquín Edwards Bello). Juntos contextualizaron la relación y dependencia del océano a través del arte de Daniel Marceli, la ciencia de Pilar Muñoz y las charlas de cultura oceánica de Ana González, mientras que los estudiantes y el público dejaron de ser espectadores para ser co-creadores de su identidad oceánica.

El océano plasmado en sus cerros

La Bienal hizo real una diversidad de relatos visuales que van desde microorganismos marinos hasta la crítica a la sobreexplotación. Destacan las obras de Franco Fasoli en Universidad Playa Ancha, de Seco Sánchez en Villa Toscana, y la fauna marina de Daniel Marceli en Quilpué. A ellos se suman la destacable participación de los artistas chilenos Aner, Juana Pérez, Maida-K, Paula Tikay, Reko, Tombo y The Voids.

Daniel Marceli, señaló: “La oportunidad de traer a destacados artistas de Chile y uno tan importante como Franco Fasoli, nos da la esperanza de que el arte público en Valparaíso sigue vivo. Cuando vemos el entusiasmo de los chicos hace que proyectemos bienal para mucho tiempo más y se están abriendo otras áreas de vinculación con la sociedad y conectados al océano”.

En las calles de Valparaíso, Viña del Mar, Quilpué y Villa Alemana se desplegaron conversaciones para despertar la conexión de las comunidades con el océano. Mientras que el arte como instrumento diplomático, instaló una colaboración entre Peace Boat US, INJUV y universidades locales, demostrando que los murales son herramientas de liderazgo comunitario y un motor para el turismo cultural intergeneracional.

En cuanto al Desafío de la Alta Mar (BBNJ), se logró aterrizar el complejo Acuerdo BBNJ – Biodiversidad más allá de las jurisdicciones nacionales- mediante diálogos, charlas y mediaciones culturales, vinculando la protección de la biodiversidad marina con la vida cotidiana del puerto.

El legado de la I Bienal de Arte “Valparaíso Azul” puedes verlo en www.valpobienaldeartepublico.cl y por supuesto en varios muros de la región.

Se inauguró la exposición “Sobremesa con Nemesio”, una acción conjunta entre el Museo de Bellas Artes de Valparaíso – Palacio Baburizza, el Taller 99 y la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. La muestra invita a la comunidad a visitarla de martes a domingo, entre las 10:00 y las 19:00 horas, en la Sala Extensión del Museo, con entrada liberada.

Mariel Mancilla, directora de Vinculación Artístico Cultural de la PUCV, enfatizó que “como Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, a través de la Vicerrectoría de Vinculación con el Medio, estamos muy felices de colaborar una vez más con el Museo de Bellas Artes de Valparaíso, esta vez a través de la exposición Sobremesa con Nemesio, que reúne el trabajo del gran maestro Nemesio Antúnez y también artistas de diferentes generaciones del Taller 99. Uno de los grandes valores que tiene esta exposición es que se está mostrando en la Sala Extensión, un espacio liberado al público, lo que se relaciona con nuestra misión institucional, que es democratizar el acceso al arte y la cultura”.

Por su parte, Rafael Torres, director del Museo Baburizza, destacó la relevancia de esta muestra para la escena artística nacional al señalar que “en la exposición conviven Premios Nacionales de Arte, artistas fundadores del Taller y una nueva generación que no solo mantiene la calidad artística, sino que continúa y proyecta la gestión del Taller 99. Además, nos encontramos con obras que elevan lo cotidiano —aquello que ocurre en torno a la mesa— al formato de obra de arte. Es una gran exposición que estará hasta fines de marzo y queremos hacer una gran invitación a que la visiten”.

Desde el Taller 99, la presidenta de la Corporación Cultural, Isabel Cauas, comentó que “estamos muy contentos de comenzar el año con la mesa puesta, dando inicio a las celebraciones por los 70 años desde que Nemesio Antúnez invitó a sus amigos a compartir en torno al grabado. Son siete décadas de encuentros en mesas de enseñanza, de conversación y de trabajo, por lo que el tema resulta especialmente significativo y hermoso para iniciar este año”.

Además de rendir homenaje a su fundador, las obras reunidas proponen una reflexión sobre la mesa como espacio de encuentro y vida en común, invitando al público a detenerse en lo cotidiano.

Así lo comentaron diversos asistentes, como Victoria Tapia, consejera superior estudiantil PUCV, quien señaló: “me parece fundamental este tipo de instancias, principalmente para promover el rol que tiene la universidad y su presencia en la región, en temas tan importantes y relevados como son el arte, la expresión artística y el grabado”. Agregó que “es increíble esta exposición Sobremesa con Nemesio, te hace evocar mucho lo que es la historia de Chile, la experiencia común que uno tiene en su crianza, y que la PUCV impulse este tipo de instancias y las quiera traer al mundo, ya de camino al centenario, es muy importante para la huella de esta universidad”.

Finalmente, Jorge Martínez, director del Museo Universitario del Grabado y profesor del Instituto de Arte PUCV, comentó que para él esta instancia es doblemente relevante como artista y docente del grabado, y agregó que “hay otro aspecto que para mí es muy importante: soy un antiguo integrante del Taller 99 y trabajé con Nemesio Antúnez entre 1992 y 1995, y en ese sentido volver a encontrarme con los viejos colegas es muy significativo”.

La exposición “Sobremesa con Nemesio” puede visitarse con entrada liberada, de martes a domingo, entre las 10:00 y las 19:00 horas, en el Museo de Bellas Artes de Valparaíso, ubicado en Paseo Yugoslavo 276, Cerro Alegre, Valparaíso.

“Esta muestra busca pretende mostrar, el estado actual de nuestra escuela, con sus diversas disciplinas, temáticas y soportes que permitirán al visitante conocer hacia donde estamos mirando y qué estamos percibiendo de nuestro presente”, explicó Renato Órdenes San Martín, Director de la Escuela de Bellas Artes.

Bajo la curaduría de los docentes Carlos Silva, Gerardo Saavedra, Álvaro Oyarzún y Renato Órdenes, la muestra es impulsada en conjunto por el Municipio de Cuidados y la Corporación Cultural de Viña del Mar. Para esta última, la exposición representa el inicio de una nueva etapa de cooperación entre instituciones artísticas locales.

“Esta exposición es una invitación a mirar el arte como una forma de pensamiento en movimiento, como un territorio donde las ideas aún están naciendo. ‘El Estado de las Cosas’ nos recuerda que crear es también ensayar, dudar, probar materiales y miradas; que el arte no se cierra, sino que se despliega. Desde la Corporación Cultural queremos seguir abriendo espacios donde esas búsquedas se encuentren y dialoguen con la ciudad”, señaló Macarena Ruiz Balart, Gerenta de la Corporación Cultural de Viña del Mar.

La exposición “El Estado de las Cosas” estará disponible para todo el público de manera gratuita desde el 24 de octubre hasta el 21 de noviembre, de lunes a viernes de 10:00 a 18:00 horas y sábados de 10:00 a 14:00 horas.

Mediaciones

Como parte del programa educativo de la exposición, la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar realizará clases abiertas y visitas guiadas a cargo de sus docentes, quienes abordarán las obras desde la reflexión teórica y los contenidos de sus asignaturas, integrando a sus estudiantes y al público general en una experiencia compartida.

A estas actividades se sumarán mediaciones a cargo de los propios artistas expositores, quienes presentarán sus obras y dialogarán sobre los procesos creativos detrás de la muestra. Ambas instancias buscan acercar el arte contemporáneo a la comunidad y fomentar el intercambio entre docentes, estudiantes y visitantes.

• Esta exposición es, sin duda, un viaje íntimo por el genio creativo de una de las artistas chilenas más influyentes de nuestro tiempo, donde hay más que música: se trata de una fusión de arte, activismo y poesía.

• “Es una declaración de principios, una llamada a la reflexión y un homenaje a todas aquellas mujeres que luchan por sus derechos”, comenta Carmen Romero, directora general de Fundación Teatro a Mil, sobre un hito que se presentará en el Parque Cultural de Valparaíso entre el 14 de enero y el 16 de febrero de 2025.

• La venta de entradas comienza el 2 de diciembre a través del sistema Ticketplus con un 30% de descuento usando tarjetas de BancoEstado, hasta agotar stock.

Foto: “Te Amo. Mon Laferte Visual” en GAM, Santiago, enero 2023 – Crédito: Cristián Soto Quiroz.

Valparaíso, 2 de diciembre de 2024.- En un nuevo hito para el arte y la cultura chilena, el Festival Internacional Valpo a Mil 2025 confirma la segunda versión de la aclamada exposición “Te amo. Mon Laferte Visual”, que se presentará del 14 de enero al 16 de febrero en el Parque Cultural de Valparaíso.

De esta forma y bajo el lema +Humanidad, dicho espacio se transformará en el epicentro de una muestra que revela la dimensión más íntima y polifacética de la reconocida cantautora Mon Laferte e invita al público a sumergirse en un universo de color, poesía y compromiso social.

El debut de esta exposición en el Festival Teatro a Mil 2023 fue un éxito absoluto. Más de 60 mil personas llegaron a GAM, quienes se maravillaron con una exhibición que trasciende los límites de la música. A través de pinturas, dibujos, poemas, videos, bordados y llamativas figuras tridimensionales, la artista nacional invita a un viaje introspectivo por su mundo creativo, donde el arte se fusiona con la vida y la militancia.

La curadora Beatriz Bustos diseñó un recorrido que comienza por los orígenes de Mon Laferte en Viña del Mar, para luego adentrarse en su trayectoria musical y su compromiso social. La exposición incluye objetos personales cargados de historia, como los vestidos que la acompañaron en momentos clave de su carrera, entre ellos, el icónico modelo rojo del Festival de Viña del Mar 2017, y el traje negro bordado que lució en los Grammy Latinos 2021.

“Queremos mostrar a una artista integral. Mon Laferte es música, poeta, pintora, además de activista”, comenta Bustos, quien agrega que “su obra, marcada por el contexto político y social, refleja una profunda conexión entre su vida personal y su arte, posicionándola como una figura destacada dentro del arte contemporáneo”.

Por su parte, la directora general de Fundación Teatro a Mil, Carmen Romero Quero, destaca que “la exposición de Mon Laferte en Valpo a Mil es mucho más que una muestra de arte. Es una declaración de principios, una llamada a la reflexión y un homenaje a todas aquellas mujeres que luchan por sus derechos. A través de su obra, Mon Laferte nos invita a ser más empáticos, más justos y más humanos. Estamos orgullosas de apoyar por segunda vez a una artista que utiliza su inmenso talento para generar un impacto positivo en la sociedad.”

VISIBILIZAR A LAS MUJERES

Una de las secciones más conmovedoras de la exposición está dedicada a las mujeres privadas de libertad, con quienes la artista ha trabajado de cerca. A través de retratos y pequeñas notas, les rinde homenaje y visibiliza su lucha. “Son mujeres de carne y hueso a las que Mon dedica estas obras”, señala Bustos.

Su obra plástica se caracteriza por su colorido, ironía y visceralidad. Sus personajes expresivos y sus escenas cargadas de simbolismo invitan a una reflexión profunda sobre el mundo que nos rodea. La instalación sonora Flores que murmullan completa la experiencia, sumergiendo al espectador en un universo de sonidos y emociones a través de canciones, conversaciones y otros audios creados por la artista.

Con Te amo. Mon Laferte Visual, Valparaíso se convierte en un punto de encuentro para los amantes del arte y la música, ofreciendo una oportunidad única de conocer a una de las artistas más relevantes de nuestra época, y quien en noviembre pasado se alzó como la ganadora de un Grammy Latino al Mejor Álbum Alternativo.

La exposición estará en el Parque Cultural de Valparaíso (Cumming 590, Cerro Cárcel) del martes 14 al domingo 19 de enero y, a partir de ahí, abrirá de jueves a domingo hasta el 16 de febrero. El público podrá acceder por turnos cada una hora, de 10:00 a 19:00 horas (hora del último ingreso).

El precio de la entrada general es de $5.000 con un 30% de descuento pagando con tarjetas BancoEstado, quedando cada entrada a $3.500, hasta agotar stock de entradas disponibles. Estudiantes hasta 29 años y personas mayores de 60 años, $2.500. Niños y niñas hasta los 12 años inclusive, entran gratis. Todos los descuentos están sujetos a stock de entradas disponibles. A la venta a partir del 2 de diciembre a través de Ticketplus.cl.

El taller el 100% gratis y los interesados pueden inscribirse gratuitamente en el link https://forms.office.com/r/K9t4NZzhVV , esperar correo de confirmación y ser parte este increíble taller en donde descubriremos el arte de la apreciación, exploraremos a través del dibujo el cuerpo humano desde la observación, creatividad y precisión para captar la belleza humana.

Esta actividad es parte de la Cartelera del Centro de Extensión y del Programa “A Puertas Abiertas” con el que Duoc UC busca impactar a través de las culturas, las artes y el patrimonio en la comunidad.

“El amor, como filosofía de vida que todo lo abarca, permite a los seres humanos vivir sus vidas en este universo infinito” (Yayoi Kusama). Siempre es necesario rememorar a todas las mujeres quienes nos anteceden y dan un giro interesante a la historia cultural y científica. Hoy quisiera honrar a una mujer en vida, la artista visual japonesa Yayoi Kusama quien ha sabido de manera multifacética convivir con los medios de comunicación y la publicidad y el desarrollo más introspectivo de su arte.

Yayoi nació el año 1929 en Matsumoto, Japón. Su vida ha estado marcada por un rico mundo interior, cargado de emociones y vaivenes existenciales muy recurrentes en el universo de una mujer artista. Su sensibilidad emocional y la dura infancia vivida fue su catalizador para potenciar su veta creadora, Yayoi como muchas mujeres en la historia debió forjar un carácter fuerte y un discurso visual potente como mecanismo de sobrevivencia. Desde muy joven vivenció el reconocimiento de su arte, pero también grandes turbulencias emocionales, lo cual ponía en un punto de jaque su salud mental, sufría trastorno obsesivo compulsivo, y a lo largo de su vida pudo trabajarlo y canalizar su mundo a través del proceso artístico.

Durante su infancia sufrió de abuso, luego problemas de salud mental que la sumergieron en la depresión e incluso acercarse a la muerte, pero fue el arte quien la rescató. Yayoi a lo largo de su obra ha expresado la importancia de canalizar las fuerzas internas del ser para explorar a través del campo visual la expresión del mundo interior, saber sobrellevar la salud mental por medio de las artes visuales fue su mejor terapia. Cuando pensamos en salud mental, se deja poco espacio para otorgarle la relevancia que tiene, muchas veces en nuestra sociedad es mal visto abrirse y expresarse, inclusive exponer los traumas. A los ojos de nuestra cultura es como si dejaras de ser útil o productivo. La artista japonesa demuestra todo lo contrario, su productividad se centra en la catarsis artística que vive.

Su obra es psicodélica, pero también muestra el carácter existencialista de la presencia de los lunares, como zonas oscuras o autenticas en el universo de nuestra realidad. Su composición abstracta muchas veces hace referencia a las alucinaciones que ella ha tenido en ocasiones producto de su salud. El arte tiene la capacidad de transformar en algo maravilloso y productivo lo que socialmente es cuestionado, que es padecer de depresión, trastornos, traumas y otros. Yayoi ha sabido integrar su universo infinito y estados de alucinaciones con la manifestación de un arte altamente visible, esto porque al final no podemos negar que a través del campo visual podemos experimentar, expresar y desahogar esa inquietud interior que es tan natural en nuestra sensibilidad, justamente en un mundo que cada vez se vuelve más frío en sus relaciones interpersonales.

Durante marzo y abril, se dará inicio a la primera exhibición de la temporada 2021 con la muestra “Cartografías de la Sangre. Atlas y diagrama” del connotado artista nacional Gastón Laval, quien junto a un equipo interdisciplinario vincularon arte, ciencia, medicina y tecnología médica, a través de la investigación artística para dar vida a este proyecto.

La exhibición busca mostrar cómo las distintas disciplinas han abordado la representación del cuerpo humano, utilizando imágenes médicas como punto de partida, para gatillar un proceso de reflexión y creación conjunto. La muestra contará con diversos trabajos de Gastón Laval que realiza intervenciones con pintura, intervenciones digitales y multimedia, bocetos y algunas obras de referencia para poder comprender la evolución del estudio y la interpretación del cuerpo.

Laval explica que la inspiración y origen para esta muestra fue un test de ADN que se realizó y que reveló el mestizaje de su herencia genética, lo que le hizo pensar en la serie de encuentros ancestrales que tuvieron que suceder, para dejar ese rastro en su cuerpo y que se trata de una huella invisible a la vista, pero que poseen todos los seres humanos en su ADN. “Esta obra es producto de un proyecto de investigación y experimentación colaborativa y pluridisciplinar que da cuenta de un sistema de ideas, percepciones y representaciones corporales integrando ciencia, artes visuales, musicales, sonoras, performáticas, escénicas, medicina e ingeniería”, explica el artista.

En la Sala Oriente se desarrollará uno de los aspectos más novedosos de este trabajo, durante el tiempo de la exposición, el pintor se encontrará trabajando como si estuviera en su estudio. Este espacio denominado por el autor como “laboratorio-taller” contará con instancias interactivas para el público, con el objetivo es acercar al espectador al proceso creativo y de desarrollo del artista que muchas veces se mantiene oculto al público. Esta actividad invita a realizar encuentros con las personas que se interesen por el trabajo del académico y a los invitados del mismo.

Mientras que en la Sala Poniente se exhibirán una serie de trabajos centrados en la idea de cuerpo como concepto para reflexionar, en un montaje conformado por una serie de pinturas elaboradas a partir de diversas estrategias visuales, además de fotografías, sonidos, videos y otros soportes digitales.

El equipo encargado de la obra está compuesto por: Sergio Uribe académico de la Facultad de Medicina y del Instituto de Ingeniería Biológica y Médica, además de director del Centro de Imágenes Biomédicas y del Núcleo Milenio en Resonancia Magnética Cardiovascular; Milena Grass, académica de la Escuela de Teatro y directora del Núcleo Milenio Arte, Performatividad y Activismo; y Rodrigo Cádiz, académico del Instituto de Música y de la Facultad de Ingeniería. También se suman estudiantes de las facultades de Artes, Medicina e Ingeniería UC.

“La metodología fue realizar presentaciones para explicar qué entendía cada uno por arte y ciencia, qué aspectos le interesan de la disciplina del otro. Así nació la idea de abordar el proyecto desde el concepto de “flujo turbulento”, que proviene de la mecánica de fluidos.”, explica Gastón Laval.

La exhibición “Cartografías de la Sangre. Atlas y diagrama” se encontrará disponible en Sala Gasco desde el 3  de marzo hasta el 23 de abril del 2021, de forma presencial con todos los protocolos de seguridad para el resguardo del visitante y según las medidas sanitarias establecidas para la comuna. También contará con un recorrido virtual 3D en 360°, directamente en www.salagasco.cl.

Junto al recorrido virtual 3D de la exposición se implementará un innovador sistema de visualización, vía streaming de la exposición de Sala Gasco, con el propósito de crear espacios directos de comunicación, participación y mediación entre el artista, los visitantes y el público virtual.

Sala Gasco Arte Contemporáneo: Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas. Horario de 09 a 17 horas. Abierto a todo público de manera gratuita. Las consultas sobre los contenidos, actividades de mediación y visitas guiadas pueden dirigirse  al correo electrónico mediacionsalagasco@gasco.cl y/o al celular +56 9 42605182.

Sobre Sala Gasco
Sala Gasco Arte Contemporáneo es un espacio gratuito de encuentro con el arte, en pleno centro de Santiago. Abre de lunes a viernes, entre 09:00 y 17:00 hrs, en Santo Domingo 1061, Metro Plaza de Armas. Desde su apertura en agosto de 2001 Sala Gasco ha recibido a aproximadamente 210.000 personas, en más de ochenta exposiciones.

Programa de mediación de Sala Gasco
Para cada una de sus exposiciones Fundación Gasco ofrece un programa de Visitas Mediadas, adaptadas a las características de los asistentes: escolares, universitarios, adultos mayores, personas con necesidades educativas especiales (NEE), instituciones y familias, entre otros. Y están disponibles en forma gratuita mediante reserva previa a través de mediacionsalagasco@gasco.cl y al celular +56 9 42605182.

-Proyecto realizado con el aporte de la Dirección de Artes y Cultura de la Vicerrectoría de Investigación, Pontificia Universidad Católica de Chile.-